ВЫСТАВКА ГОДА
Выставка, заслужившая признание профессионалов и зрителей
«„Мы храним наши белые сны“. Другой Восток и сверхчувственное познание в русском искусстве. 1905–1969». Фото: Алексей Народицкий
«„Мы храним наши белые сны“. Другой Восток и сверхчувственное познание в русском искусстве. 1905–1969»
Музей современного искусства «Гараж» (Москва). 31 января — 9 августа 2020 года
Кураторы: Екатерина Иноземцева, Андрей Мизиано
Исследовательская группа: Дарья Бобренко, Оксана Полякова, Анастасия Чеботарева
Научные консультанты: Алексей Улько, Борис Чухович, Олег Шишкин
Архитектура: бюро GRACE (Ксения Бисти, Ивано Вичеконте, Екатерина Головатюк, Джакомо Кантони)
Юношеское стихотворение Андрея Белого, строка из которого вынесена в заглавие выставки, наполнено предчувствием бурь, катаклизмов и «последней борьбы мировой». Все это действительно вскоре грянуло, вот только в реальности мало совпадало с прозрениями символистов. Советская власть безжалостно искореняла любые проявления мистического сознания и боролась с его носителями. Эти страницы истории пока недостаточно изучены, так что выставку в «Гараже» можно рассматривать не только как предъявление раритетных экспонатов, но и как результат двухлетнего исследования.
Одна из важнейших сюжетных линий здесь — судьба антропософского движения в дореволюционной России и в СССР.
Последователи Рудольфа Штейнера придавали большое значение художественным практикам, и в экспозиции, наряду с рукописями и документами, встречались еще и образцы эзотерической живописи, графики, скульптуры, а также визуальные материалы, связанные с эвритмическим танцем. Впрочем, кураторы выставки трактовали тему «тайных знаний» и «сверхчувственных практик» гораздо шире одной лишь антропософии. Отсюда возникает и «другой Восток», то есть Средняя Азия как прибежище особой эстетики, и «русский космизм», и еще целый ряд феноменов, коренящихся в мистическом мировосприятии.
Между сообществами, кружками и прочими неформальными объединениями эзотериков имелись существенные различия, но разгрому они подвергались с одинаковым усердием. Материальные следы той культуры отыскиваются сегодня с трудом, однако кураторы проекта сумели сложить причудливый, но убедительный и выразительный пазл из архивных, музейных, коллекционерских, семейных источников. Немаловажно, что при этом восстанавливались биографические вехи и вводились в научный оборот имена художников, надолго выпавших из истории искусства.
За реабилитацию и исследование феноменов отечественной художественной культуры ХХ века, связанных с эзотерическим знанием
«Чжан Хуань. В пепле истории». Фото: Государственный Эрмитаж
«Чжан Хуань. В пепле истории»
Государственный Эрмитаж (Санкт-Петербург). 9 сентября — 8 ноября 2020 года
Авторы и кураторы: Анастасия Веялко, Дмитрий Озерков, У Хун
Выставка Чжан Хуаня — впечатляющее и экзотическое зрелище. Такая большая выставка современного китайского художника — в нашей стране редкость. Чжан Хуань — достойный представитель искусства своих соотечественников, эффектно соединяющих международные тенденции, оригинальные стилистические решения и традиционные национальные ремесла. Его работы отражают китайскую историю нового времени и буддистское предание; его излюбленный материал — пепел, которым он расписывает картины и фотографии; на репродукции классических картин он накладывает искусно вырезанные деревянные панели. Но никакого пафоса, критики или прославления прошлого и настоящего в его произведениях нет — вообще никаких эмоций, он смотрит на все беспристрастно, и это для российского зрителя непривычно и странно.
Дополнительное впечатление Чжан Хуань производит прежде всего размерами своих вещей. «Эрмитажный Будда», стоявший во дворе музея, весит 7 т; воспроизведение фотографии делегатов съезда компартии Китая растянулось на 37 м; его красивые пепельные картины монументальны. Кроме размера имеет значение и происхождение вещей и материалов. Публику интригует знание, что фигура Будды составлена из фрагментов разрушенных богоборцами статуй, что пепел собран от сожженных в буддийских монастырях благовоний, что деревянные панели вырезаны из дверей разрушенных крестьянских домов и им 200 лет.
«В пепле истории» — выставка не экспортированная, а созданная специально для Эрмитажа; в серии, воспроизводящей классические картины, большинство оригиналов хранится в этом музее. Продуманная и четко выстроенная экспозиция была идеально вписана в залы Зимнего дворца. Так что работу кураторов с художником можно считать образцовой.
За взгляд на мировое бедствие в исторической перспективе и диалог китайской и русской культуры.
Рашид Асаев. «Интерьер в Сенеже». 1982. Фото: Государственная Третьяковская галерея
«Ненавсегда. 1968–1985»
Государственная Третьяковская галерея, Новая Третьяковка (Москва). 7 июля — 11 октября 2020 года
Кураторы: Юлия Воротынцева, Анастасия Курляндцева, Кирилл Светляков
Экспозиция: Нина Дивова
Дизайн: Акоп Искударян, Агния Стерлигова
Выставка — смелая попытка кураторов осмыслить почти 20-летний, и последний, период советского искусства, объединив произведения авторов разных жизненных и творческих стратегий. Работы членов союзов художников и андерграундных сообществ были показаны не в противопоставлении депрессивного «официального» и энергичного «неофициального» искусства, а в общности откликов художников на процессы, происходившие в обществе и сознании людей.
Выставка занимала несколько залов Новой Третьяковки и включала в себя около 500 произведений изобразительного искусства, документальные фотографии, фрагменты художественных фильмов. Весь этот обширный материал был сгруппирован по выделенным кураторами «ключевым темам эпохи»: «Ритуал и власть», «Соц-арт», «Религиозный мистицизм», «Деревня», «Детство», «Сообщества», «История и остановленное время», «Исчезновение». Такое решение было неожиданным, интригующим и спорным. Тем более что для выставки были отобраны не только известные, знаковые произведения, но и большое количество картин из собрания галереи, которые долгое время не экспонировались и были почти забыты. Что дало повод упрекать кураторов в показе заурядного искусства.
Вообще, претензий к выставке было высказано критиками и художниками в различных изданиях и соцсетях множество. И надо признать, противников у нее было больше, чем поклонников. Споры велись не только о концепции выставки, отборе материала, но и о том, какое искусство надо показывать в музее и каким было время, которое принято маркировать как «застой». Но именно эти спонтанные и жаркие дискуссии превратили «Ненавсегда» в исключительно важное и актуальное событие художественной жизни 2020 года.
За переосмысление брежневской эпохи в советской культуре и за новую позицию по отношению к ней, вызвавшую бурные дискуссии
ЛИЧНЫЙ ВКЛАД
За вклад в развитие художественного процесса и рынка искусства
Марианна Сардарова
Основатель Фонда содействия развитию современного искусства Ruarts
За последовательную и систематическую поддержку актуального российского искусства
Марианна Сардарова прозорливо опробовала формат некоммерческого арт-фонда одной из первых в Москве, еще в 2003 году, параллельно открыв одноименную галерею. За эти годы фонд организовал десятки выставок и лекций, поддержал множество музейных проектов и фестивалей, учредил грантовую программу для художников стрит-арта (совместно с объединением «Артмоссфера»). И что не менее важно — привлек в орбиту современного искусства новых ценителей. В конце 2020-го фонд намеревался открыть свое новое здание, шестиэтажный музейно-образовательный мультидисциплинарный центр в районе Нового Арбата, но, как и многое другое, открытие пришлось перенести из-за пандемии. Когда оно наконец случится, фонд Ruarts планирует показать собственную коллекцию русского современного искусства, масштаб и качество которой наконец-то можно будет оценить по достоинству, ведь она включает 2 тыс. произведений разных жанров (живопись, фотографии, видеоинсталляции, пост-стрит-арт) и множество важных фигур — от Дмитрия Краснопевцева, Владимира Немухина и Франциско Инфанте до Андрея Бартенева, Ольги Тобрелутс и Дмитрия Аске. А пока что фонд запустил цикл общедоступных онлайн-лекций по истории коллекционирования.
Марат Гельман
Куратор, коллекционер
За щедрый вклад в коллекцию ведущего российского музея и придание нового статуса современному отечественному искусству
Один из первых и самых знаменитых российских галеристов, ныне куратор и продюсер культурных фестивалей, Марат Гельман в 2020 году передал в дар Государственной Третьяковской галерее около 50 работ из своей коллекции. Они были представлены публике на выставке «Дар Марата», название которой можно трактовать и как дань таланту галериста, никогда не боявшегося рисковать и всегда тяготевшего к острому, спорному, бичующему язвы общества искусству — вполне в традиции Павла Третьякова, покупавшего самые смелые опусы передвижников. «Дар Марата» — это произведения звезд и лидеров нашей художественной сцены, охватывающие период с начала 1990-х по настоящее время: Дмитрия Гутова, Владимира Дубосарского и Александра Виноградова, Олега Кулика, Владислава Мамышева-Монро, Анатолия Осмоловского, групп «Синие носы» и AES+F и многих других. Помимо работ художников, начавших карьеру в постсоветскую эпоху, в музей переданы произведения основоположников соц-арта Виталия Комара и Александра Меламида, а также инсталляция патриарха концептуализма Ильи Кабакова и его жены Эмилии «Игра в теннис». Из числа особо примечательных монументальных произведений — «комикс-панорама» Гоши Острецова, групповой портрет главных героев российской художественной сцены 2000-х. Ранее Марат Гельман подарил работы из своей коллекции Русскому музею и Центру Помпиду.
Маргарита Пушкина
Основатель ярмарки современного искусства Cosmoscow
За смелость и креативность, помогающие российскому арт-рынку выжить в тяжелые времена
Основатель и директор главной ярмарки современного искусства в России, Маргарита Пушкина стала одним из героев катастрофического года, приняв смелое решение не отменять популярное у публики художественное событие. И это в то время, когда весь мир запаниковал и замер, и даже такие тяжеловесы международного арт-рынка, как Art Basel, отложили ярмарки до лучших времен. Проведение восьмой Cosmoscow осенью (с соблюдением всех санитарных норм) оказало серьезную моральную поддержку российскому арт-сообществу. Фонд Cosmoscow запустил новые программы поддержки художников: «Сериалы» в Instagram и платформу «Ближе» — 15 экспериментальных курсов от молодых художников, занимающихся проблемами образования. Ярмарка все больше расширяет сферу своих интересов, включая разделы современного дизайна и тиражного искусства, обрастает некоммерческими, партнерскими и образовательными проектами — в число самых заметных попали «Турбулентность» при поддержке Государства Катар и конкурс для медиахудожников, организованный концерном Audi. Все это выводит Cosmoscow за рамки чисто рыночного события и превращает в фестиваль искусства для широкой публики.
Максим Боксер
Галерист, основатель сообщества «Шар и крест»
За оригинальную концепцию нового художественного сообщества и солидарность
Группа «Шар и крест» в Facebook, созданная Максимом Боксером вскоре после объявления весеннего карантина (в то время как его собственная выставка «Мечты коллекционера» в фонде IN ARTIBUS оказалась замороженной), сделала известного галериста и коллекционера по-настоящему культовой фигурой в художественных кругах. Закрытая группа, где художники могут продавать свои работы, была названа по одноименному роману Честертона, где два героя, верующий и атеист, ведут мировоззренческие споры. Так и в самой затее виртуального сообщества соединились два начала: коммерческое предприятие и христианская идея помощи ближнему. (Заметим, что Честертон — один из любимых писателей Боксера. Придуманная им и весьма успешная галерея-кафе «Перелетный кабак» отсылала к еще одному роману английского моралиста.) В правилах «Шара и креста» Максим Боксер прописал остроумный механизм принудительной солидарности: те, кто продал несколько работ, должны были купить произведение у товарища, а при успешной покупке и продаже большого количества работ — пожертвовать одну в фонд сообщества. Изначально была установлена и очень щадящая верхняя планка цен (на графику — не более 3 тыс. руб., на живопись — не более 10 тыс. руб.), а модерация гарантировала определенное художественное качество товара. «Шар и крест» снискала огромный успех, став своеобразным клубом на принципах любви и взаимопомощи. Доступные цены позволили многим начинающим коллекционерам преодолеть «моральный рубеж», художникам — не умереть с голоду, а фонду «Шар и крест» — собрать уникальную коллекцию искусства эпохи ковида.
Анатолий и Ирина Седых
Основатели фестиваля современной городской культуры «Арт-овраг» в городе Выкса Нижегородской области
За превращение регионального промышленного центра в столицу современного паблик-арта
Город Выкса Нижегородской области осенью 2020 года стал местом художественного события мирового калибра: туда из Парижа приехал Эрик Булатов, классик современного искусства, чтобы создать самое большое в своей жизни произведение — гигантскую роспись «Стой — иди. Амбар в Нормандии» площадью 2,5 тыс. кв. м. Она заняла внешнюю стену одного из цехов Выксунского металлургического завода, входящего в корпорацию АО «ОМК». И стала третьим монументальным экспонатом Индустриального стрит-арт-парка — специально созданных для завода муралов-фресок современных звезд. Анатолий и Ирина Седых, основатели благотворительного фонда «ОМК-Участие», когда десять лет назад затевали первый фестиваль городской культуры, получивший название «Арт-овраг», чтобы отвлечь местных подростков от дурных привычек, возможно, и не подозревали о том, какой размах получит их инициатива и как изменит облик промышленного моногорода. Сегодня Выкса — одна из столиц российского паблик-арта. Благодаря ежегодному фестивалю здесь появилась сотня эффектных арт-объектов от первых имен стрит-арта, таких как Алексей Лука (Luka), Миша Мост (Most), Женя Оззик (0331с), Слава ПТРК, Тимофей Радя. Это и муралы, и картины-граффити на торцах панельных домов, скульптуры и павильоны в облагороженном парке, арт-дворы и площадки для скейта. В городе обустроена модная набережная. Редкий жанр индустриального искусства куется в синтетических перформансах, как «Страсти по Мартену», получившие премию «Инновация». Вслед за Эриком Булатовым в Выксу планируется приглашать и других знаменитостей — благо цехов на заводе хватает.
РЕСТАВРАЦИЯ ГОДА
За вклад в теорию и практику реставрации
Дом Наркомфина. Фото: Лига прав/Гинзбург Архитекс
Дом Наркомфина (Москва)
Заказчик: «Лига прав»
Проект реставрации: архитектурная мастерская «Гинзбург Архитекс»
Дом Наркомфина (Народного комиссариата финансов) на Новинском бульваре в Москве построен в 1929–1930 годах по проекту архитекторов Моисея Гинзбурга, Игнатия Милиниса и инженера Сергея Прохорова. Он создавался как дом образцового быта по последнему слову тогдашних архитектурной науки и строительной технологии. И воплотил революционную концепцию жилья с квартирами-ячейками, общей кухней-столовой и общественным пространством. Этот шедевр советского конструктивизма, воспетый в книгах по истории архитектуры, многие годы не реставрировался и даже не ремонтировался, постепенно превращаясь в развалину. Ни государство, ни частные инвесторы не хотели вкладывать в него средства, несмотря на все призывы общественности и многолетние старания архитектора Алексея Гинзбурга, внука автора дома. Здание два раза попадало в международный список мирового архитектурного наследия, находящегося под угрозой.
Пять лет назад компания «Лига прав» полностью выкупила дом Наркомфина у частных владельцев и города и два года спустя начала его научную реставрацию, которую провела с предельной тщательностью и закончила летом 2020 года.
В результате убраны все поздние надстройки и пристройки, полностью восстановлены уникальные конструктивные и планировочные особенности здания, его жилых и общественных помещений. Законсервировано все, что сохранилось; то, что было утрачено, воспроизведено с буквальной точностью и из тех же материалов, что и оригиналы. Сохранены функции всех помещений, и большинство квартир уже заселено. Неизбежные изменения сделаны с максимальным тактом (так, лифт спрятан в трубе бывшей котельной). Восстановлено цветовое решение общественных пространств, разработанное профессором Баухауса Хиннерком Шепером как обеспечивающее жильцам эмоциональный комфорт. Хозблок сияет стеклянными витражами.
Поднятый черными колоннами над землей отреставрированный белый дом-корабль с ленточными окнами, коридорами-палубами и квартирой-каютой на крыше выглядит просто прекрасно.
За образцовое воссоздание памятника конструктивизма мирового уровня
«Портрет А.Ф.Белосельской» Федора Рокотова из собрания Государственного исторического музея. Фото: Государственный исторический музей
Полотна Федора Рокотова из собрания Государственного исторического музея (Москва)
Работы выполнили: Государственный исторический музей (директор Алексей Левыкин), Государственный научно-исследовательский институт реставрации (директор Дмитрий Антонов)
Усилиями реставраторов Исторического музея и специалистов ГосНИИР за четыре года удалось отреставрировать всю рокотовскую коллекцию Исторического музея. В институте Рокотовым занимался целый отдел, привлекались сотрудники лаборатории физико-химических исследований, другие специалисты выполняли фотофиксацию и спецсъемку. Большой коллектив смог сосредоточиться на одном художнике, проникнуться его манерой. Первые две картины в 2016-м были отреставрированы на средства Минкультуры, потом в дело вступил спонсор — Благотворительный фонд «Лукойл».
Параллельно реставрации уточнялись атрибуции, и в результате собрание портретов кисти Федора Рокотова (1735/1736–1808) в Историческом музее по количеству стало третьим после Третьяковки и Русского музея и насчитывает 18 картин, увеличившись вдвое за счет портретов, которые считались работами неизвестных художников или мастерской. Многие были в плохом состоянии и не экспонировались — реставрация преобразила их и вернула имя автора.
Одной из главных проблем было то, что картины за время бытования уже неоднократно подвергались реставрации, не всегда качественной. Холсты имели грубо заделанные прорывы, многочисленные записи на авторском красочном слое, сильные поверхностные загрязнения, потемневшие лаковые пленки. Устранение поздних вмешательств и удаление слоев, скрывавших поверхность картин, позволили максимально раскрыть живопись Рокотова.
Другой важной задачей стало сохранение авторских холстов недублированными. До нашего времени дошло очень мало произведений XVIII века, которые ранее не подвергались этой операции. На тыльной стороне картин Рокотова из Исторического музея сохранились надписи, подписи, инвентарные номера собраний, в которых они хранились. Эти сведения имеют большое значение при проведении исследований и атрибуции памятников. Понимая это, реставраторы старались к каждому подходить индивидуально, подбирать такие методики, чтобы избежать дублирования.
Летом 2020 года отреставрированные полотна из ГИМ, добавив к ним произведения Рокотова из частных коллекций, показали на выставке.
За командную работу, погружение в особенности стиля одного мастера, уточнение атрибуций и возвращение к жизни его произведений
Северный речной вокзал. Фото: Евгений Самарин/mos.ru
Северный речной вокзал (Москва)
Работы выполнило: ООО «Артстройтехнология»
Генеральный проектировщик: ИГИТ
Главный архитектор проекта: Константин Беляев
Реконструкция набережной и парка: Департамент транспорта города Москвы
Феноменально быстрое и бережное восстановление комплекса Речного вокзала (1933–1937, архитекторы Алексей Рухлядев и Владимир Кринский): здания, набережной и парка.
Речной вокзал — выдающийся памятник сталинского ампира. Здание было завершающим аккордом проекта десятилетия — канала Москва — Волга. Все постсоветское время оно медленно разрушалось, пока в 2017 году не было передано на баланс ГУП «Мосгортранс», а окружающий парк — столичному департаменту капитального ремонта. В течение двух последних лет здесь круглосуточно, в три смены, трудились 2 тыс. человек. Реставрация стала витриной возможностей московских властей.
Полностью, в первозданной красоте и сложности, восстановили 150-метровое, напоминающее дебаркадер здание с трехъярусными открытыми галереями по фасаду и парадной лестницей, спускающейся к реке. Внутри отреставрировали стены из оселкового мрамора, мозаичные полы, живописные плафоны, бронзовые люстры, фантазийные капители с серпами и якорями. Привели в порядок монументальную скульптуру (работы Ромуальда Иодко), расписные майоликовые панно (автор Наталья Данько), фонтаны «Полярный» и «Черноморский» (скульпторы Лев Кардашов и Иван Ефимов), часы с курантами и подвижный 27-метровый шпиль, увенчанный позолоченной, в самоцветах, звездой. Поменяли инженерные сети, канализацию, в парке убрали сухостой, благоустроили 1,5 км набережной, открыли павильоны с кафе, капитально отремонтировали 17 причалов.
За первый месяц работы речной вокзал посетило 100 тыс. человек. В навигацию пассажиропоток обещают довести до 1,5 млн, как это было в золотые 1960–1970-е годы. Вокзал даст сильнейший импульс водному туризму, и огромные территории до верховьев Волги получат шанс на экономическое развитие.
За феноменально быстрое и бережное восстановление выдающегося архитектурного ансамбля и возвращение ему прежних функций
МУЗЕЙ ГОДА
Самый заметный музей года
Выставка «Младшие Брейгели и их эпоха» в музейно-выставочном комплексе «Новый Иерусалим». Фото: музейно-выставочный комплекс «Новый Иерусалим»
Музейно-выставочный комплекс Московской области «Новый Иерусалим»
Московская область, Истра, Ново-Иерусалимская набережная, 1
Директор: Василий Кузнецов
В 2020 году музей «Новый Иерусалим» отметил 100-летний юбилей. Большую часть своей истории, 94 года, он располагался в стенах одноименного монастыря, основанного в XVII веке патриархом Никоном, но в 2014-м переехал в отдельное, специально возведенное здание и вынужден был начать с нуля — искать собственный путь, лицо, специализацию.
За последние годы молодая команда под руководством нового директора Василия Кузнецова провела в «Новом Иерусалиме» череду блистательных выставок: «Пабло Пикассо: художник и книга» (2017–2018), «Эпоха Дюрера» (2018), «Стиль Фаберже» (2018–2019), «Марк Шагал. Между небом и землей» (2019–2020), «Младшие Брейгели и их эпоха» (2020–2021). Международную повестку дополнили выставками русских художников: Бориса Кустодиева, Анатолия Слепышева, Роберта Фалька. Проект «Цвет. 90 шедевров из музеев Подмосковья» (2019–2020) объединил арт-ресурсы всей области (где проживает 8 млн человек) и способствовал пробуждению самосознания местных музеев.
В «Новом Иерусалиме» запустили десятки образовательных программ. Лекции и виртуальные туры регулярно появляются в интернете и социальных сетях — онлайн-активность помогла поддержать связь со зрителем во время карантина. В музейном магазине, помимо книг и альбомов по искусству, собрали широчайший ассортимент русских промыслов.
Пару лет назад музей совместно с областной филармонией придумал фестиваль классической музыки open-air и провел его даже в сложном 2020 году, пригласив цвет исполнительских кадров: всемирно известных дирижера Василия Петренко, скрипача Максима Венгерова, пианиста Николая Луганского и других. В результате музей превратился в место паломничества москвичей и предмет гордости жителей Истры и шире — Подмосковья. Два года подряд, с числом зрителей более 450 тыс., «Новый Иерусалим» остается самым посещаемым региональным музеем России.
За череду блистательных выставок и превращение музея в место паломничества зрителей
Выставка «Семейное дело» в Центре семейной истории. Фото: Музей-заповедник В.Д.Поленова
Музейный квартал в Туле
Тула, улица Металлистов, улица Благовещенская
Правительство Тульской области, Министерство культуры РФ
В любом областном городе открытие нового очага культуры воспринимается как заметное событие. Но не так часто административные власти рассматривают вопросы культурной политики в категориях более крупных, нежели возведение того или иного объекта. В Туле же произошло именно так: появлению новых музеев предшествовала и сопутствовала реконструкция исторической территории в центре города, примыкающей к местному кремлю.
Как раз к 500-летию Тульского кремля, которое отмечалось в сентябре 2020 года, было приурочено открытие музейного кластера, создававшегося свыше двух лет. В пешеходной зоне, на улице Металлистов (бывшей Пятницкой) и в прилегающих к ней кварталах, расположились филиалы четырех федеральных учреждений культуры: Государственного исторического музея и музеев-заповедников — Василия Дмитриевича Поленова, «Ясной Поляны» и «Куликова поля». Причем обошлось без крупного капитального строительства: в пользование музеям отданы реконструированные старинные особняки.
Каждый из филиалов обладает своей спецификой и руководствуется собственной программой. Например, музей Поленова делает акцент на непреходящей ценности домашних архивов и устных воспоминаний, и подведомственный ему комплекс строений на Благовещенской улице носит название «Центр семейной истории». Филиал «Куликова поля», помимо просветительской деятельности, сосредоточится еще и на исследовательско-реставрационной работе. А столичный Исторический музей планирует регулярно показывать в Туле гастрольные выставки.
От кластера следует ожидать большего эффекта, чем могла бы дать простая арифметическая сумма новых музейных объектов. Создана культурная и историческая среда, добавляющая привлекательности образу города в целом.
За инициативную культурную политику и комплексное развитие исторической городской среды
Выставка «Утопия Спасенная» в ЦВЗ «Манеж». Фото: Василий Буланов/ЦВЗ Манеж
Центральный выставочный зал «Манеж» (Санкт-Петербург)
Санкт-Петербург, Исаакиевская площадь, 1
Директор: Павел Пригара
Петербургский Манеж наращивает обороты с феноменальной скоростью и мощью. И это тем более удивительно, что еще десять лет назад ничто не предвещало такого рывка. Легендарное здание было построено в 1807 году по проекту Джакомо Кваренги. В позднесоветское время здесь был выставочный плацдарм Союза художников, в следующие десятилетия проводились коммерческие выставки. В 2015-м директором институции стал Павел Пригара. Он поставил цель превратить Манеж в кунстхалле мирового уровня. Завершившаяся в 2016-м реконструкция увеличила экспозиционные пространства до 4 тыс. кв. м и позволила делать проекты любой сложности.
Большая ретроспектива группы AES+F, выставка-соревнование «Дейнека/Самохвалов», грандиозная «Лаборатория будущего. Кинетическое искусство в России», смотр фотоагентства Magnum, громкая «Немосква не за горами», первая в России выставка выдающегося корейского скульптора и мастера перформанса Ли Бул — проекты-хиты последних двух лет приучили нас к тому, что каждое очередное событие в Манеже обязательно к посещению. Прибавьте к этому активную поддержку public art, целенаправленный поиск молодых талантов, лекции директоров крупнейших художественных музеев: Манюэля Рабате, директора Лувра — Абу-Даби; Ральфа Ругоффа, куратора Венецианской биеннале 2019 года; Айке Шмидта, директора Галереи Уффици, — и станет понятно, почему питерский Манеж генерирует смыслы и создает ситуацию в современном искусстве в масштабах страны.
За пять лет Манеж, во-первых, сформировал сильную команду, способную реализовать самые смелые идеи, во-вторых, стал желанным партнером для арт-кураторов мирового уровня, и в-третьих, наладил отношения с музеями России, что позволило получать произведения на выставки практически из любой точки страны. На одну из самых сложных по логистике экспозиций — «Дейнека/Самохвалов» — работы предоставили 37 музеев и 9 коллекционеров. Козырем Манежа директор Павел Пригара считает тот факт, что «в Петербурге искусству проще находить свою аудиторию и оставаться с ней в диалоге».
За умение делать зрелищные выставочные хиты, привлекающие публику и смелыми концепциями, и современным экспозиционным дизайном
КНИГА ГОДА
Книга любого жанра и формата об изобразительном искусстве, ставшая событием года
«Это было навсегда 68/85».
«Это было навсегда. 68/85»
Государственная Третьяковская галерея, 2020
Книга, изданная к выставке «Ненавсегда. 1968–1985» в Третьяковской галерее, — прежде всего полный каталог, где воспроизведены все показанные работы и многочисленные экспликации к ним и к тематическим разделам экспозиции. В музее для чтения пояснений не хватало ни времени, ни сил, а они проясняют смысл кураторского решения и доказывают его право на существование.
Теоретический раздел каталога открывается статьей одного из кураторов и идеолога выставки — Кирилла Светлякова. Он трактует искусство застоя как постмодернизм отечественного извода, что спорно, но интересно. Гораздо серьезнее поддерживают его выставочную концепцию 11 статей разных авторов, посвященные все тем же «ключевым темам эпохи», обозначенным в экспозиции. В них рассказывается, как можно было жить в советской стране, не вступая в конфликт с официальной идеологией, но и не подчиняясь ей; как создавались неформальные профессиональные союзы, основанные на общности интересов; почему дружеские отношения становились в то время абсолютной ценностью; каковы особенности позднесоветского «вещизма». В лучших текстах каталога удачно соединены личные воспоминания и анализ социальных явлений. Разумеется, есть и ожидаемые статьи об искусстве, дизайне, кинематографе и литературе завершающего периода жизни советской страны. Название выставки и каталога отсылает к книге Алексея Юрчака «Это было навсегда, пока не кончилось. Последнее советское поколение». Ее цитируют и авторы большинства статей — настолько точно в ней обозначены особенности жизни в брежневскую пору, до уныния стабильную. Завершает теоретический раздел новый текст Юрчака, где ставится сакраментальный вопрос: почему казавшийся вечным СССР так неожиданно исчез с карты мира?
За комплексное исследование ключевых для позднесоветской культуры тем и сюжетов, предлагающее новое понимание этой эпохи
Наталия Семенова. «Сага о Щукиных. Собиратели шедевров», «Братья Морозовы. Коллекционеры, которые не торгуются?», «Илья Остроухов. Гениальный дилетант»
Наталия Семенова. «Сага о Щукиных. Собиратели шедевров», «Братья Морозовы. Коллекционеры, которые не торгуются?», «Илья Остроухов. Гениальный дилетант»
«Слово»/Slovo, 2019–2020
Трилогия издательства «Слово» — это беллетризованные биографии московских коллекционеров Сергея Щукина, Ивана и Михаила Морозовых, Ильи Остроухова. Они уже не раз становились главными героями книг Наталии Семеновой, но каждая очередная версия их биографий дополнена новыми сведениями, найденными в российских и зарубежных архивах, в мемуарах современников и газетах прошлого века.
В книгах серии описаны характеры своеобразных, незаурядных, не похожих друг на друга людей, хотя все они принадлежали к московским купеческим семейным кланам и были великими коллекционерами. Поэтому и книги о них написаны хотя и по общему плану, но отличаются по стилю и интонации. Жизнеописание братьев Морозовых и их родственников составлено обстоятельно и спокойно. Книга, посвященная Щукиным, — это своего рода психологический детектив, построенный как ответ на вопрос, каким образом Сергей Щукин, потомок боровских лавочников, сумел собрать столько шедевров, проявив незаурядную смелость и интуицию. А биография артистичного и словоохотливого Ильи Остроухова, наполненная цитатами из его писем и статей, напоминает роман об обаятельном авантюристе, беззаветно влюбленном в искусство.
Книги Семеновой о Щукине и Морозове переведены на английский, французский, итальянский языки, а о Щукине еще и на румынский и китайский. Она также вошла в список лучших изданий по искусству 2020 года газеты Financial Times.
За многолетний труд по возвращению в историю имен и заслуг великих коллекционеров дореволюционной России и их популяризацию за рубежом
Борис Гройс. «Частные случаи»
Борис Гройс. «Частные случаи»
«Ад Маргинем Пресс»; Музей современного искусства «Гараж», 2020
Борис Гройс каждой книгой удивляет и шокирует независимостью и парадоксальностью суждений об искусстве. «Частные случаи» не исключение. Она состоит из 19 статей о художниках — классиках модернизма и наших современниках, начиная с Василия Кандинского и Марселя Дюшана и заканчивая дуэтом Инги Свалы Тоурсдоуттир и У Шаньчжуаня. Гройс на первых же страницах заявляет, что никакой общей теории искусства у него нет (подразумевая, что таковой и быть не может, несмотря на уже существующие), а движим он только импульсом, переданным самим произведением.
Переходя от статьи к статье, от одного художника к другому, такой импульс побуждает Гройса действовать по-разному. То останавливает на одном произведении, например «Дерьме художника» Пьеро Мандзони. То погружает в обширные размышления о ситуации в восточноевропейском искусстве после падения просоветских режимов — на примере словенской группы «Ирвин». Импульс, полученный от просмотра документации проекта Павла Альтхамера Common Task, заставляет начать главу о художнике с пассажа о падении Римской империи. И в каждом частном случае Гройс неизменно демонстрирует отличный от общепринятого взгляд на искусство. Нередко кажется, что он просто дразнит историков искусства и критиков своими выводами, сравнениями и метафорами. Однако обстоятельными и интеллектуально красивыми рассуждениями настолько завораживает читателя, что тот соглашается с любыми выводами, не успевая и не желая одуматься. «Единственное истинное право человека и единственное истинное право вещи — это право стать экстраординарными», — таким философским обобщением Гройс заканчивает «Частные случаи».
За оригинальное применение философских теорий к творчеству отдельно взятых художников
